Л. Пуликова - Кливлендский Музей искусства

Якопо Тинторетто родился и вырос в Венеции, где учился у Бонифацио Веронезе. Он как бы замыкает собой плеяду великих художников Возрождения, будучи вместе с тем свидетелем крушения гуманистических идеалов эпохи, обострения социальных конфликтов. Творчество мастера обширно и обладает широким сюжетным диапазоном. Он писал алтарные картины для венецианских церквей, грандиозные полотна для Дворца дожей, мифологические композиции и портреты. В произведениях Тинторетто отразились трагические конфликты эпохи, захватывающие воображение зрителя. Обращаясь к библейским или евангельским сюжетам, мастер обычно изображал кульминацию событий, наибольшее напряжение душевных сил героев и самой ситуации. Отсюда драматизм и трагический пафос его полотен, их повышенная эмоциональность, динамизм композиций.

Основываясь на сюжете из Нового Завета Евангелия от Матфея, художник запечатлел крещение Христа в реке Иордан святым Иоанном Крестителем, во время которого небеса разверзлись, послышался голос Бога Отца и Дух Святой сошел в виде голубя. Данная картина датируется как самое раннее произведение Тинторетто в музее Кливленда. В этой монументальной композиции все согласовано, фигуры склоняются, подчиняясь некоей внутренней гармонии, центром полотна выступает Иисус. Мощная моделировка тел, вырывающиеся напряженные вспышки звонких цветовых пятен, материальность и звучность колористических сочетаний характеризуют высокую живопись эпохи Возрождения в Венеции.

Искусство XVII–XVIII Веков

На создание этой работы Караваджо вдохновил эпизод «Золотой легенды» Якова Ворагинского — собрания христианских сказаний, конкурировавшего по популярности с Библией. Приговоренный к смерти за свою миссионерскую деятельность в Греции, Андрей попросил, чтобы его распяли, подобно Христу. Спустя два дня после казни святого, еще агонизировавшего и пытавшегося проповедовать, вопреки его желанию решили снять с креста, но палача, который взялся это делать, парализовала таинственная сила. После того как Андрей закончил молитвы, его окутал ослепительный свет и он испустил дух. В интерпретации Караваджо религиозная тема представляется как простое, будничное событие. Новаторское использование художником света, резко выхватывающего из мрака лица, очертания фигур, жесты рук, придает необыкновенную выразительность и пластичность изображенной сцене. Известно, что живописец исполнил это произведение в Неаполе для графа Бенавента, с 1603 по 1610 испанского вице-короля.

Нидерландский художник утрехтской школы Геррит ван Хонтхорст учился и работал в Риме, где испытал влияние Караваджо. За мастерство в изображении ночных сцен при искусственном освещении он даже получил у итальянцев прозвище Ночной Герардо. На родине живописец стал авторитетным членом группы «утрехтских караваджистов».

Среди немногочисленных работ Хонтхорста «Самсон и Далила» занимает важное место. Сюжет картины заимствован из библейской легенды о военачальнике Самсоне, разгромившем армию филистимлян. Побежденный народ подослал к нему красавицу Далилу, которая и выяснила, что источник необычайного могущества мужчины заключается в его длинных волосах. Художник изобразил тревожный момент, когда женщина ножом срезает прядку за прядкой у уснувшего Самсона, делая его беспомощным. Камерность и приближение композиции к зрителю дают ощущение приобщения к совершающемуся таинству. Старуха, держащая свечу, приложив указательный палец к губам, призывает зрителя сохранять тишину. Несмотря на влияние Караваджо, с заимствованными четкими контрастами света и тени, усиливающими ощущение беспокойства, это произведение нидерландского мастера очаровывает особым мягким колоритом одежд и искусно выписанной бело-розовой кожей прекрасной Далилы.

Выдающийся живописец эпохи расцвета испанского искусства XVII века Диего Веласкес посвятил свое творчество поиску новых художественных средств передачи окружающего мира. Он создал целую галерею так называемых лос труанес — портретов придворных карликов, шутов, уродцев, которые являлись непременным атрибутом свиты Филиппа IV, как, впрочем, и любого короля Европы того времени. Они служили развлечением для монаршей семьи, среди них были и профессиональные шуты, и люди, «обиженные природой». Работая над портретами, Веласкес в каждой модели искал то, что было по-человечески ценным.

Таково и изображение дона Хуана Калабасаса — физически и умственно отсталого, улыбающегося бессмысленной улыбкой («calabaza» в переводе с испанского означает «тыква» или «простак»). Для показа шута художник избирает формат парадного портрета, Калабасас облачен во все черное, что было прерогативой Габсбургов. Вертушка в левой руке — указание на его детскую природу и символ глупости, в правой — миниатюрный портрет женщины, скорее всего, жены Филиппа, Маргариты Австрийской, чьим шутом и являлся герой. В произведении нет ни тени насмешки или брезгливости, оно написано с явной нежностью и симпатией, что многое говорит о характере самого автора.

Портрет Телемана Рустермана принадлежит к шедеврам знаменитого голландского портретиста XVII столетия Франса Халса. Художнику позировал состоятельный владелец льняных и шелковых фабрик по всей Франции. Неудивительно, что мастер подчеркивает и выписывает детали его роскошного бархатного костюма. Рустерман одет в черный дублет с широким белым, идеально накрахмаленным воротником и тончайшими кружевными манжетами. Портрет обладает поразительной естественностью и одновременно значительностью образа. Халс достиг величайшей свободы мазка, своей подвижностью и легкостью подчеркивающего материальность тканей и пластичность фигуры, которая выделяется на светлом неоднородном серо-коричневом фоне. Выразительность лица героя говорит о необыкновенной зоркости художника, внимательном изучении им его характера и индивидуальности.

Надпись в правом верхнем углу, сделанная Халсом, сообщает зрителю возраст модели — 36 лет и дату написания полотна. В Музее истории искусства Вены находится вариант этого произведения, отличающийся только наличием герба Рустермана рядом с указанием его возраста и датировкой картины.

Франсиско де Сурбаран — выдающийся мастер XVII века, эпохи расцвета испанского искусства. Однако его произведения редко встречаются в европейских, а тем более в американских музеях.

Написанная на религиозный сюжет картина «Христос и Мария в доме в Назарете» посвящена детству Спасителя. В скромном помещении фигуры Марии и юного Иисуса рельефно выступают на темном фоне яркими цветовыми пятнами. Подперев голову рукой, неподвижная, оставившая свою вышивку Богоматерь грустно смотрит на порезавшегося о терновый венец златокудрого Сына, таким образом подразумевается Ее бессилие в попытке спасти Его от предстоящих страданий. Тяжким мыслям Девы Марии вторит грозовое небо, которое видно в окне позади нее. Предметы быта, рассредоточенные по помещению, принимают символическое значение: стол олицетворяет алтарь, плод инжира указывает на Евхаристию или искупление грехов, горшочек с водой — купель, пара белых голубей — спасенные души верующих, нашедших укрытие во Христе, семейное счастье и любовь. Цветы в вазе, лилии и розы, являются традиционными символами Марии. Уравновешенность композиции соответствует характеру действия, передающего не только атмосферу царящего здесь благочестия, но и ощущение тяжело и медленно текущего времени.

Сцена сохраняет жанровый характер и в то же время обретает новое звучание благодаря введению в обыденную обстановку элементов возвышенного и необычного.

Основоположник классицизма во французской живописи XVII столетия Никола Пуссен вдохновлялся античностью, искусством Рафаэля и Тициана.

Своими произведениями он старался привнести в господствовавший тогда парадный барочный стиль классическую строгую сдержанность и упорядоченность. «Святое семейство на лестнице» — одна из самых светлых и совершенных работ мастера, излучающая гармонию и спокойную созерцательную красоту. В самом центре композиции — акцент на яблоке, протянутом Младенцу Иисусу юным Иоанном, плод символизирует грехопадение и является аллюзией будущей миссии Христа как искупителя.