А. Майкапар - Филадельфийский музей искусств

Широко известно, что Поль Сезанн по многу раз писал один и тот же сюжет, одну и ту же модель. Например, только автопортретов у него 35, а жену Гортензию мастер запечатлел не менее 40 раз. Чтобы как-то идентифицировать эти изображения, их называют по характерным деталям (помимо указания места хранения), например «Мадам Сезанн в желтом кресле», как это сделано для картины в Чикагском художественном музее (см. том № 23, с. 72). Существуют портреты супруги живописца «в красном кресле», «в зеленой шляпе», «с распущенными волосами», «в голубом», «в полосатой юбке» и другие; но даже подобное уточнение не всегда гарантирует полную идентификацию. Филадельфийская картина может иметь уточнение: «в полосатом платье».

Целью портрета во все времена и у всех художников было дать представление о личности модели, ее душевном состоянии. Зритель знает, что брак Сезанна был трудным. В начале совместной жизни с женой ему пришлось таить от отца, от которого он весьма зависел в финансовом отношении, что тот стал дедом. Когда родитель узнал о произошедшем, живописец был унижен его жестоким выговором; это не могло не отразиться на отношениях супругов. Впоследствии Сезанн часто уезжал, что было вызвано не только его творческими потребностями, но и все чаще возникавшим желанием побыть в отдалении от Гортензии.

Данный ее портрет, как и другие, безжалостно обнаруживает всю сложность семейных отношений: героиня отвела взгляд (они с мужем теперь совершенно чужие). Во всем облике женщины чувствуется душевная усталость. Тона картины тоже унылые, если не сказать сумрачные.

Поль Сезанн — французский живописец, один из крупнейших представителей постимпрессионизма.

Тема «Купальщиц» и «Купальщиков» занимала его на протяжении многих лет, а в особенности в последние годы жизни. Символично, что относящаяся к последним фотография престарелого мастера (1904) сделана таким образом, что фоном является картина из числа носящих это название. Помимо множества эскизов и этюдов известны три основные «Большие купальщицы» (под определением «большие» подразумеваются размеры полотен) — из Филадельфийского музея искусств, из собрания лондонской Национальной галереи и принадлежащая Фонду Барнса в Марионе (США).

Очевидно, нужен некий особый, истинно философский взгляд на искусство, красоту и, конкретно, творчество Сезанна, чтобы оценить эти работы. Такую попытку сделал, в частности, А. Перрюшо, биограф художника: «В „Купальщиках“ и „Купальщицах“ Сезанна увлекают пластика обнаженных фигур, контрапункты и согласования их объемов и движений. Подчиняясь силам притяжения и отталкивания, человеческие тела удлиняются или деформируются, так как вся суть в их компоновке в одно целое, а отнюдь не в анатомической правильности пропорций. В прошлом сцены с изображением обнаженных на фоне природы имели идиллическую трактовку, в них вкладывалась мечта об утраченном земном рае, первозданной гармонии природы и человека. Сезанн переводит идею прекрасного мифа в поле реализации своих наблюдений природы и опыта, извлеченного из классического искусства. Дух его волнуется, ощущая себя проводником созидательных сил, пришедших благодаря многолетнему самоотреченному служению живописи. До конца жизни он считает незаконченной свою работу над „Купальщицами“, так как колеблется все время чаша весов между верностью природе, которая была его кредо, и открывшимися благодаря его собственным художественным достижениям возможностями живописи существовать по своим законам, независимым от натуры».

Медисон-сквер-гарден, архитектурный комплекс в Нью-Йорке, называемый MSGII, поскольку был построен на месте первого, носившего то же название (затем были третий, четвертый…), открыл свои двери 6 июня 1890. Архитектором этого сооружения был Стэнфорд Уайт. Новый «Медисон-сквер-гарден» возвели в мавританском стиле, его отличительной чертой стала башня, одно из самых высоких строений в городе в то время. Над ее куполом возвышалась статуя богини Дианы (автор — американский мастер Огастес Сент-Годенс) высотой 5,5 м и весом 820 кг. Она являлась одной из достопримечательностей города как первая скульптура, которая ночью подсвечивалась. В этом виде здание и изваяние просуществовали до 1924. После реконструкции MSGII статую Дианы сняли, и теперь она хранится в филадельфийском музее. В других музеях США имеются скульптуры, являющиеся стадиями или предварительными вариантами окончательной версии.

Создатель этой чудесной вазы — выдающийся французский мастер Марк-Луи Эммануэль Солон. Он начинал как график, затем его заинтересовало искусство фарфора, и художник отправился в Севр, столицу французского керамического производства. Там его особенно привлекла техника pâte-sur-pâte, позже он написал о ней целый трактат. В 1870 Cолон переехал в Англию в городок Сток-он-Трент, бывший центром фарфоро-фаянсового и керамического производства, в связи с чем его окрестности получили название «Гончарный округ». Здесь мастер работал на фабрике Т. Минтона.

Ваза сделана в технике pâte-sur-pâte (с французского — «масса на массе, слой за слоем»). Работа выполняется кистью, художник в несколько слоев наносит прозрачную бесцветную поливу непосредственно на черепок, в результате чего получается рельефный декор. Его высоту можно варьировать. Иногда рельеф дорабатывают стеклом.

На филадельфийской вазе, выполненной в этой технике, представлена сценка, вернее, психологические типы (поскольку в ней нет сюжета, то есть собственно действия), известные во французском искусстве. Прелестная девушка в образе шута (на ней соответствующий колпак) играет с фигуркой (куклой). Справа несколько масок. На ум приходит клавесинная пьеса Франсуа Куперена «Французские дурачества, или Маски домино». Это вариации, в которых каждая маска — определенный характер. Всего их 12, и они окрашены в разные цвета — от белой до черной. Хотя ваза создана в более позднюю эпоху, параллель и аналогия здесь полные.

Генри Оссава Таннер — афроамериканский художник, первый из своих соплеменников добившийся международного признания. Юноша решил посвятить себя изобразительному искусству еще в 13 лет. Таннер обучался в Филадельфии, решающим моментом в его биографии был переезд в Париж в 1891. Здесь он занимался в Академии Жюлиана и вступил в городской Американский студенческий художественный клуб.

Картина «Благовещение» написана после возвращения Таннера в Париж из путешествия в Египет и Палестину в 1897. Сын священника Африканской Методистской епископальной церкви, он хотел погрузиться в жизнь и культуру жителей Святой земли. Под влиянием того, что увидел, художник создал самобытный, уклоняющийся от всех канонических иконографических предписаний образ Девы Марии, которой явился архангел Гавриил с благой вестью о том, что она станет Богоматерью. Мария предстает крестьянкой в одежде, характерной для женщин Ближнего Востока, без нимба и других атрибутов святости. Еще более радикально решен архангел Гавриил — это столп света.

Таннер часто экспериментировал со светом в своих композициях. Его источник и интенсивность в контрастном сопоставлении с тенью создают почти реально ощутимое физическое пространство и атмосферу, необычайно усиливающие эмоциональное настроение картины.

Художник представил свое полотно на парижском Салоне 1898, на следующий год оно было куплено для филадельфийского музея и оказалось первым из его творений, приобретенных американскими музеями.

Скульптуры Огюста Родена всегда символичны, иными словами, представляют некий идеальный образ. Всякий раз, даже когда зрителю точно известен натурщик, с которого создано изваяние, его меньше всего занимает прототип. Так, мало кого интересует модель, служившая мастеру для его знаменитого «Мыслителя», между тем это было конкретное лицо — Жан Бо, боксер.

Для «Мысли», а также для «Поцелуя», «Вечной весны», «Авроры» позировала Камилла Клодель. Эти ваяния — идеальное воплощение человеческой красоты. Камилла, сама талантливый скульптор, являлась ученицей Родена, его помощницей, натурщицей и любовницей. Судьба женщины сложилась трагично: паре не суждено было быть вместе. В конце концов ее любовь перешла в ненависть, рассудок помутился, и она попала в клинику для умалишенных. Там она оказалась совершенно одна: мать не отвечала на отчаянные письма дочери, Роден ее не навещал. Клодель пережила мастера на 26 лет… Но в скольких шедеврах гений запечатлел ее лик и облик! Их любовная связь послужила основой для пьесы Г. Ибсена «Когда мы, мертвые, пробуждаемся» (1899; Роден и Камилла были еще живы).