Горкин П. - Энциклопедия «Искусство». Часть 4. Р-Я (с иллюстрациями)
В пронзительно одухотворённом искусстве Эль Греко сложно переплелись византийские традиции, достижения итальянского Ренессанса и мистическая экзальтация маньеризма. Расцвет его искусства наступил в Испании. Не получив признания при дворе в Мадриде, художник поселился в Толедо – городе мистиков и книжников («Вид Толедо», 1610-14). В иллюзорно-беспредельном пространстве его работ исчезает грань между земным и небесным, реальным и воображаемым миром. Художник прибегает к резким ракурсам, вытягивает пропорции человеческих фигур. В «Мученичестве св. Маврикия» (1580-82) изображены в одной плоскости разновременные события, как это было в средневековой живописи. В прославленном «Погребении графа Оргаса» (1586-88), написанном для церкви Санто-Томе в Толедо, также сохраняется архаичная двухъярусная композиционная схема: действие происходит одновременно на небе и на земле. Изломанные линии, сложные ракурсы характерны для живописи маньеризма; вместе с тем, художник создаёт здесь необычайно выразительный групповой портрет своих современников. «Эмалевый», создающий эффект свечения колорит основан на множестве неожиданных рефлексов, беспокойной игре контрастирующих цветов, то ярко вспыхивающих, то гаснущих в призрачном мерцании. Острая эмоциональность образного строя характерна для портретов Эль Греко, порой отмеченных беспощадной психологической выразительностью (портрет главного инквизитора Ниньо де Гевара, 1601).
В поздних произведениях художника нарастают черты ирреальности, мир предстаёт как единая одухотворённая стихия. Эль Греко привлекают темы мистического экстаза, ликующего полёта в небеса в вихре света и цвета, апокалиптических видений («Вознесение Марии», 1613; «Снятие пятой печати», 1610-11). Подлинным трагизмом проникнуты «Моление о чаше» (1606-10) и «Лаокоон» (1610-14). В «Снятии пятой печати» тревожные всполохи света выхватывают из окружающей тьмы мечущиеся фигуры, напоминающие языки пламени.
Наследие Эль Греко занимает уникальное место в истории мирового искусства. У художника не было последователей и учеников, его искусство вскоре было предано забвению и заново открыто лишь в нач. 20 в.
ЭЛЬ ЛИСИ?ЦКИЙ (настоящее имя Лисицкий Лазарь Маркович) (1890, село Починок Смоленской области – 1941, Москва), русский живописец, график, дизайнер, автор архитектурных проектов, педагог; один из крупнейших мастеров русского авангарда. Учился на архитектурном факультете Высшей технической школы в Дармштадте (1909-14), в Рижском политехническом институте, эвакуированном в Москву (1915-18). Член художественных объединений Утвердители нового искусства (Уновис; 1919-21), «Ассоциация новых архитекторов» (1925), «Четыре искусства» (с 1924 г.).
Важнейшую роль в творчестве художника сыграли теория и практика супрематизма (метод выражения структуры мироздания в простейших геометрических формах, разработанный К. С. Малевичем). В 1919-20 гг. Эль Лисицкий руководил архитектурным факультетом и мастерскими графики в витебской Народной художественной школе, создавал «проуны» (проекты утверждения нового) и «фигурины» – проекты театральных костюмов для футуристической оперы «Победа над солнцем» (1920-21). В фигуринах, исполненных в технике гуаши, акварели, туши, часто используется революционная символика цвета и форм (красный квадрат, красная звезда и др.). В проунах плоские геометрические фигуры обретают объём. Поверхность листа бумаги превращается в космическое пространство, в котором движутся или находятся в покое объёмные геометрические элементы («Проун – 84», 1923-24).
Создание проунов позволило Эль Лисицкому перейти к работе в реальной предметно-пространственной среде и архитектуре. «Проект передвижной ораторской трибуны» (1920) имел в основе проун. В «Проекте небоскрёба на площади у Никитских ворот» (1924-25) крупные объёмы параллелепипедов расположены на трёх стойках-опорах. В «Проекте яхт-клуба для международного Красного стадиона на Ленинских горах» (1925) художник создал структуру из простых геометрических объёмов, ввёл в композицию резкие диагонали и яркий локальный цвет. Эль Лисицкий – основоположник дизайна выставочного пространства. При оформлении экспозиций он активно использовал движущиеся установки, фотомонтаж. Новаторские идеи Лисицкого воплотились в экспозициях выставок «Пресса» в Кёльне (1928), «Фильм и фото» в Штутгарте (1929), гигиены в Дрездене (1930), пушнины в Лейпциге (1930).
Эль Лисицкий развивал в своём творчестве передовые открытия современного искусства: использовал открытия супрематизма, теорию и практику конструктивизма, был тесно связан с Н. А. Ладовским. Его оригинальные пластические решения воплотились в самых различных областях искусства, вписав одну из наиболее ярких страниц в историю художественного авангарда.
ЭМAЛЬ (от франц. e? mail, от франкского smeltan – плавить), техника, применяемая в ювелирном искусстве для украшения золотых, серебряных, медных и др. изделий, а также сами изделия, выполненные в этой технике. Техника эмалей может быть холодной (без обжига) или горячей (окрашенная окислами красочная паста наносится на специально обработанную поверхность и обжигается, в результате чего появляется стекловидный цветной слой).
Неизвестный русский мастер. Дарохранительница с крышкой. Серебро, позолота, эмали. Вторая четверть 19 в. Государственный исторический музей. Москва
Перегородчатые эмали заполняют ячейки, образованные тонкими металлическими перегородками, припаянными на металлическую поверхность ребром по линиям узора, передают чёткие линии контура. Выемчатые эмали заполняют углубления (созданные резьбой, штамповкой и т. д.) в толще металла; отличаются яркостью цвета. В расписной эмали изделие из металла покрывается эмалью и по ней расписывается эмалевыми красками (с 17 в. огнеупорными).
Наиболее известны лиможские эмали (Франция, 15-17 вв.), русская финифть, изделия мастеров модерна (Р. Лалика, Л. Тиффани и др.).
ЭНГР (ingres) Жан Огюст Доминик (1780, Монтобан, – 1867, Париж), французский живописец и график, музыкант; представитель классицизма. Учился у отца, миниатюриста и скульптора Ж. Энгра, затем (с 1791 г.) в Тулузской академии у Г. Ж. Рока. В 1797 г. переехал в Париж, где посещал мастерскую Ж. Л. Давида, поступил в Школу изящных искусств (1799). В 1806-20 и 1834-41 гг. жил в Риме, в 1820-24 гг. – во Флоренции. В 1824 г. Энгр открыл в Париже свою школу живописи, с 1829 г. преподавал в Академии изящных искусств в Париже. В 1834-41 гг. занимал пост директора Французской академии в Риме. С 1841 г. жил и работал в Париже.
Энгру были близки творческие принципы его учителя Давида тонкое чувство объёма и контура, особая экономность линии, отсутствие лишних деталей, стремление подчеркнуть в натуре прекрасное, благородное. Свой путь в искусстве Энгр начал с портретов («Автопортрет», 1804; три портрета членов семьи Ривьер – отца, матери, дочери, 1805; «Император Наполеон на троне», 1806). В Риме художник тщательно изучал античное искусство, что воплотилось в его картинах «Эдип и сфинкс» (1808), «Юпитер и Фетида (1811). Во Флоренции была написана картина „Обет Людовика ХIII“ (1824) для кафедрального собора в родном городе художника Монтобане, за которую критика назвала Энгра „новым Рафаэлем“.
Ж. О. Д. Энгр. «Портрет мадемуазель Ривьер». 1805 г. Лувр. Париж
Ж. О. Д. Энгр. «Портрет Л. Ф. Бертена». 1832 г. Лувр. Париж
Ж. О. Д. Энгр. «Портрет Н. Паганини». Карандаш. 1819 г. Лувр. Париж
Энгр вошёл в историю искусства прежде всего как замечательный портретист, хотя он сам считал этот жанр «низким». Его портреты пленяют чистотой и музыкальностью плавных линий, скульптурностью формы («Мадам Девосе», 1807; «Мадам Зенон», 1816; «Мадам Муатесье», 1851). Энгр был виртуозным мастером изображения обнажённой натуры. В работах «Купальщица Вальпинсона» (1808), «Большая Одалиска» (1814), «Турецкая баня» (1862-63) холодная чистота стиля сочетается с затаённой чувственностью; певучие линии контуров, изысканная пластика поз и жестов напоминают об античной классике.
В поздний период творчества Энгр пишет большие мифологические картины («Мученичество св. Симфориона», 1834); его живописная манера становится академичной. Однако в эти же годы созданы многие лучшие портреты. В «Портрете Л. Ф. Бертена» (1832) представлен властный умный буржуа в характерной позе «хозяина жизни», что дало повод художнику Э. Мане назвать эту работу «портретом буржуазного Будды». Графические портреты Энгра, которые он создавал на протяжении всей жизни, отличает непосредственность, раскованность, жизненность деталей (портрет скрипача-виртуоза Н. Паганини, 1819).
Творчество Энгра оказало большое влияние как на развитие академизма во французском искусстве, так и художников новых направлений, взявших на вооружение энгровскую филигранную отточенность линий (Э. Дега, П. Пикассо и др.).
