А. Майкапар - Лондонская Национальная галерея

Ганс Гольбейн Младший — немецкий живописец и график эпохи Возрождения, один из величайших портретистов западноевропейского искусства. Долгое время он являлся придворным художником английского короля Генриха VIII.

В эпоху, когда не было другого способа получить представление о внешности человека (например, фотографии), придворные художники писали портреты для своих патронов, преследуя, прежде всего, цель достичь максимального сходства с моделью. Так, Гольбейн создавал портреты возможных кандидаток (многочисленных, как известно) на роль жены Генриха VIII. Порой бывало, как в известном случае с Анной Клевской, что портрет давал приукрашенный образ будущей невесты. Увидев ее в реальности, король был несказанно разочарован. Брак быстро распался, и Анна была сослана в отданное ей имение. Портрет Кристины возник по аналогичной причине: король намеревался свататься к ней, и ему, естественно, хотелось иметь хоть какое-то представление о девушке. Так к Кристине был командирован Гольбейн.

Кристина, младшая дочь короля Дании Кристиана II и Изабеллы Австрийской, родилась в 1522. В 1533 в одиннадцатилетнем возрасте она была обручена с герцогом Миланским, но через два года он умер. Кристина жила в Брюсселе, там в 1538 ее посетил Гольбейн. Исторические источники утверждают, что она позировала художнику всего три часа. Несмотря на то что со смерти мужа прошло уже три года, Кристина все еще носила по нему траур. Такой дама и изображена на портрете, однако вряд ли короля устроил бы скорбный вид невесты. Поэтому Гольбейн придал обаяние и прелесть еще юному лицу Кристины, говорящему отнюдь не только о ее глубоком трауре… Королю она отказала.

Искусство Голландии

Хендрик Барентс, один из крупнейших голландских живописцев эпохи барокко, вошел в историю искусства под прозвищем Аверкамп, что означает «немой из Кампена», он действительно был глухонемым. Существует определенная закономерность: отсутствие какого-то из чувств у человека часто обостряет другое. Известна предрасположенность незрячих к музыке (образ в искусстве и литературе — «слепой музыкант»), отсутствие слуха обостряет зрение.

Художественная манера Аверкампа в значительной степени сформировалась под влиянием Питера Брейгеля Старшего, но он создал свой, более декоративный стиль, остался чужд социальной проблематике великого предшественника. Поразительная тонкость живописной палитры и разнообразие проявились очень ясно и ярко уже в картинах раннего периода творчества, это были, главным образом, зимние пейзажи и виды.

Для всех работ художника характерен высокий горизонт, позволявший изобразить широкое пространство. Как правило, это затянутые льдом река, пруд или канал, на которых весьма многолюдно. Кажется, все население города или деревни пришло покататься на коньках, царит приподнятое настроение.

Искусство Аверкампа не претерпело кардинальных изменений, и по этому произведению можно составить ясное представление о его стиле. Художник прекрасно передал неуловимо меняющееся освещение зимнего дня, его серебристую цветовую гамму, ощущается холодная прозрачность зимнего неба. Мельчайшие детали, фигурки выписаны мастером с тщательностью, свидетельствующей о любви к изображаемому.

Франс Халс — один из наиболее известных живописцев золотого века голландского искусства.

В сущности, данный портрет не является портретом: притом что молодой человек часто идентифицируется как Гамлет, картина скорее всего представляет собой традиционную для голландского искусства аллегорию «Vanitas» (с латинского — «пустота»), то есть суетность в смысле эфемерности и тщеты земных богатств. Доказательством того, что в основе сюжета лежит эта тема, служит череп, напоминающий о смерти.

Нидерландская традиция изображать держащего череп юношу восходит к гравюрам XVI века. Его экзотическое одеяние напоминает живописную манеру утрехтских мастеров, следовавших новым тогда приемам Караваджо. Но в работе Халса есть существенное отличие: фигура не выступает из тени на свет, как обычно у художников вышеназванной школы, а освещена сзади. Здесь присутствует эффект «trompe l'oeil» (с французского — «обманка» — иллюзорное воспроизведение живописными средствами реальных предметов или фигур, вызывающее эффект присутствия подлинной натуры, а не изображения) — череп изображен так, словно он за пределами плоскости картины. Все это свидетельствует о большом мастерстве автора.

Рембрандт — голландский живописец, рисовальщик и офортист, один из величайших мастеров XVII века.

К началу 1640-х жизнь и художественная деятельность Рембрандта приобрели стабильность и размеренность. На данном автопортрете изображен уверенный в себе рассудительный человек, одетый в соответствии с итальянской модой XVI века. Кстати, именно эта особенность позволила исследователям провести параллель между представленным портретом и работами Рафаэля (напрашивается сравнение с «Портретом Бальдассаре Кастильоне», 1515, Лувр, Париж) и Тициана («Портрет мужчины в голубом плаще», 1510, Национальная галерея, Лондон). Рембрандт увидел картину Рафаэля в 1639 на аукционе в Амстердаме и даже сделал рисунок с нее, ныне хранящийся в Музее Альбертина в Вене. Создается впечатление, что художник намеренно ссылается на своих знаменитых предшественников и хочет представить себя в традиции великих старых мастеров.

Виллем Калф был одним из ведущих мастеров натюрморта в Голландии XVII века. В своих зрелых работах художник создал тип гармонично сгруппированного натюрморта с дорогими, богато украшенными предметами (большей частью бутылями, тарелками, бокалами) из отражающих свет материалов — золота, серебра, олова или стекла. Его искусство достигло вершины в амстердамский период творчества в завораживающих, получивших общее наименование «роскошных натюрмортах».

Набор предметов в таких картинах не символизировал идею бренности и тщеты земного существования, а олицетворял богатство Голландской республики. Тем не менее определенные символы в данном натюрморте имеются. Так, питьевой рог, до сих пор существующий шедевр амстердамских ювелиров, хранящийся в Историческом музее в Амстердаме, поддерживается скульптурной группой из двух римских воинов и святого Себастьяна, считавшегося покровителем городской гильдии стрелков (он был подвергнут пытке римскими воинами-лучниками). Поскольку все в полотне говорит о гильдии святого Себастьяна, то логично предположить, что работа написана для нее. Гильдия была очень богатой, и «роскошный натюрморт» Калфа соответствовал ее статусу.

Питер Хендрик де Хох — голландский живописец делфтской школы, прославившийся изображениями интерьеров и повседневных жанровых сцен.

В картине, передающей эпизод из жизни городского дома, мастером заботливо перечислены мелкие, тонко подмеченные подробности. Чистый, прозрачный свет делает живопись правдоподобной, а две фигуры казались бы навечно заключенными в замкнутом мирке дворика, если бы не отворенная на улицу калитка. Открытый пролет двери был излюбленным приемом де Хоха, он часто писал темный передний план с распахнутой дверью, ведущей в ярко освещенные внутренние покои. В картине царит атмосфера спокойной повседневности и одновременно присутствует ощущение, что простота и тишина сами по себе прекрасны. Ранние произведения художника изображают двух-трех персонажей, занятых домашними делами в комнатах, залитых светом. В поздних работах живописец оставил эти чудесные светлые простые дома ради достаточно претенциозных сцен светской жизни. Люди на его полотнах стали богаче, но сами картины оскудели и потеряли свои световые достоинства.

Эманюэл де Витте — нидерландский художник, мастер интерьерного и бытового жанров.

В Национальной галерее хранятся две картины Витте — обе изображают Старую церковь в Амстердаме. Помещение храма представлено на них с разных точек зрения. Живописец в результате многолетнего художественного опыта в сравнительно узкой специализации достиг необычайного мастерства в передаче перспективы большого соборного пространства. Причем ему одинаково удавались как изображения реальных церквей, так и художественные фантазии на темы их интерьеров. Справедливости ради нужно отметить, что во второй половине жизни, после 1650, мастер обратился к изображению светских интерьеров, опыт оказался положительным. Таким образом, картины Витте, хотя и ограничены узкой тематикой, представляют внутри ее необычайную художественную ценность. Зритель ощущает себя внутри собора, сопричастным традиционной жизни нидерландцев, свидетелем их каждодневных дел и привычек. Привлекает внимание и социальный аспект, пространство разделено на две части: в задней происходит проповедь, на ней — исключительно мужчины, в ближней по-светски общаются женщины и дети. Кажется, будто это продолжение улицы, здесь присутствуют даже собаки (их всегда можно увидеть в церковных интерьерах мастера).